於是我帶著一定的期望入場。事後，我腦內一直浮現一條問題：「是否任何文本都適合以劇場的方式呈現?」

還記得演前的「凡聚」講座中，蘇玉華及張錦程即場圍讀了一段故事，由於當時演員的注意力集中於其聲線，所以感染力很高。尤其是張錦程讀有關思念爸爸，兒時向他扭計買小吃卻不小心倒地時的讀白，「爸爸!爸爸!」他更投入得流下眼淚，我當時想：這文本是編劇真誠的分享，的確難得。

同一段文字放上舞台後，卻變了另一回事。台面用spotlight把焦點投在張錦程身上，觀眾注意力本應更集中。不過導演選擇以兩面台的形式來演，演員能量的釋放就被分散，情況像直路與分叉路的分別，顧得一面又忽略了另一面。或是本人買票不幸，整段讀白的過程，張錦程都是背住我這面的，因此，這段戲就突然顯得失色，情感不再具感染力。再者，由於這種故意陌生化的表現方式，文字本身的真摯情感亦突然褪去，好像有點可惜。

再輯錄另一節之前寫下的文字：

不過，導演卻偏偏選擇了較抽象的表現形式，希望以較劇場的處理方式來表現生活的情節，嘗試打破框框，亦因此不設後台，直接在台側處理更衣、補妝等過程，為觀眾帶來新的劇場體驗。

或許，這陌生化的表現方式是故意的，不過我會問：「為什麼要這樣做?」因為要「為觀眾帶來新的劇場體驗」?為打破原有對文本演繹的概念?這些都是有膽識的理由，亦可以吸引觀眾入場。然而我覺得整套戲的呈現反而有點「兩頭不到外岸」。一方面，演員照樣用較傳統的演譯方式把角色呈現：寫實的、生活化的。另一方面，導演選擇用較簡約的佈景處理，卻使角色與佈景顯得有點格格不入。例如一開場大口（司徒慧焯）、阿寬（張錦程）及阿忠（陳敏斌）的「麻甩佬對話」，粗口不絕，一時講講鹹濕笑話，開開玩笑，一時又突然關心對方起來，與真實的朋友相處十分相近。不過把這對話放在較空的舞台上，就有點適應不來，看起來有點格格不入。如此實驗，令整套劇欠缺一個完整的方向，顯得稍為散亂。

把文本還原基本步，若果我沒有參與過事前的「凡聚」講座，沒有比較，沒有期望，我不會開始這篇文章的思考。不過按著這份文本本來的個性，突然有很多幻想：把這文本用來拍電影會如何?或是用來作廣播劇又如何?又或者，邀請另一位舞台導演把文本重新排演會如何?